LDA e Aka 7even a Sanremo 2026 con “Poesie clandestine”: Napoli sotterranea come mappa dell’amore impossibile

17 Febbraio 2026 • di Betty Barletta • 7 min di lettura

LDA e Aka 7even si presentano al 76° Festival di Sanremo 2026 con “Poesie clandestine”, un brano che fonde la tradizione melodica napoletana con la sensibilità pop contemporanea, trasformando una storia d’amore impossibile in un viaggio attraverso la geografia emotiva di una città che è insieme sfondo e protagonista. Firmato da A. Caiazza, L. D’Alessio, L. Marzano, V. Petrozzino, R. Romito, F. D’Alessio, M. Villano (edizioni GGD Edizioni/Thaurus Publishing/Nalasimba/Sony Music Publishing Italy/Copyright Control), la canzone è una dichiarazione d’amore che deve restare nascosta — clandestina, appunto — ma che nella sua segretezza trova una forza che l’amore alla luce del sole non possiede.

L’apertura: la canzone come condanna e come cura

Il brano si apre con un paradosso che funziona come manifesto poetico: se bastasse una sola canzone per vivere un attimo eternamente, l’artista sarebbe condannato a una folle bugia. È un verso che mette in discussione il potere stesso della musica — la canzone come illusione, come promessa che non può mantenere — e contemporaneamente lo celebra, perché solo qualcosa di potente può essere definito una condanna. La musica come prigione volontaria, come dipendenza consapevole.

Il passaggio successivo compie il ribaltamento: è dal dolore che nasce un amore catartico. La catarsi non cancella il dolore ma lo attraversa, lo metabolizza, lo trasforma in qualcosa di vivibile. E quel “sembra fatto per noi” è la frase che ogni innamorato pronuncia almeno una volta, la convinzione che il destino abbia disegnato quella sofferenza su misura per due persone specifiche.

Le poesie clandestine: l’amore che si nasconde

Il titolo emerge nella prima sezione come immagine centrale del brano. Le poesie clandestine sono dediche che non possono essere pubbliche, versi scritti di nascosto, sentimenti che vivono nell’ombra perché la luce li distruggerebbe. C’è qualcosa di profondamente napoletano in questa clandestinità: la città dei vicoli stretti, dei bassi, delle storie che si consumano dietro le persiane chiuse, dove il segreto non è vergogna ma protezione.

L’inseguimento di qualcuno che se ne va, le onde agitate che non sanno dove sia la persona amata, la frenesia che porta a svanire: è una sequenza di immagini che descrivono un amore in fuga perpetua, dove uno cerca e l’altra sparisce, dove la vicinanza è sempre momentanea e la distanza è la condizione normale. Le onde agitate come testimoni impotenti — nemmeno il mare sa dove sei — trasformano l’elemento naturale da sfondo romantico a complice smarrito.

La tarantella e il napoletano: il cuore che parla in dialetto

L’irruzione del napoletano — “ossaje che è una tarantella si nun ce putimm verè” — è il momento in cui il brano rivela la sua anima più profonda. Il dialetto non è decorazione folkloristica ma necessità espressiva: ci sono sentimenti che l’italiano non riesce a contenere e che solo la lingua madre può esprimere nella loro pienezza. La tarantella come metafora della relazione — un ballo vorticoso, ossessivo, che non si può interrompere — è un’immagine che attinge alla tradizione popolare con una naturalezza che rende il verso immediatamente comprensibile anche a chi non parla napoletano.

Il concetto che l’altra persona verrà sempre prima di tutto — prima di me, prima di lei — stabilisce una gerarchia sentimentale assoluta dove l’amore clandestino supera sia l’amor proprio sia qualsiasi altra relazione. È una dichiarazione di priorità che non ammette eccezioni.

La metropoli solitaria e Napoli sotterranea

Il ritornello costruisce una delle immagini più suggestive dell’intero brano: la storia d’amore come metropoli solitaria, un luogo immenso e deserto, pieno di strade ma vuoto di compagnia. L’ossimoro funziona perché cattura l’essenza dell’amore clandestino: si vive in un mondo parallelo che ha le dimensioni di una città ma la popolazione di un’isola deserta.

La storia piena di “ma” e di “se” è il ritratto perfetto della relazione condizionale, quella che esiste solo al congiuntivo, che si nutre di possibilità mai realizzate e di obiezioni mai risolte. E il paragone — “come te, bella da farmi mancare l’aria” — trasforma i condizionali da limite a fascino: è proprio l’incompletezza a renderla irresistibile.

Il verso che dà il nome alla metafora centrale — “tu sei Napoli sotterranea” — è un colpo di genio lirico. Napoli sotterranea è il sistema di cunicoli, cisterne e catacombe che si estende sotto la superficie della città: un mondo nascosto, parallelo, antico, che esiste da millenni sotto i piedi di chi cammina in superficie senza sospettarne l’esistenza. La persona amata è esattamente questo: un universo segreto che vive sotto la realtà visibile, più profondo e più antico di qualsiasi cosa si possa vedere a occhio nudo.

La musica nel sangue: carnalità e spiritualità

Il verso sulla musica che sale nel sangue carnale è il punto in cui il brano fonde la dimensione spirituale con quella fisica. Il sangue è carnale — concreto, corporeo, pulsante — ma la musica che vi scorre è qualcosa di incorporeo, di trascendente. È la stessa tensione che attraversa l’intera canzone: l’amore come esperienza contemporaneamente del corpo e dell’anima, dove morire d’amore non è metafora ma possibilità concreta, accettata, quasi desiderata.

Il limbo: tra sogni e realtà

La seconda sezione approfondisce la condizione di sospensione che caratterizza l’amore clandestino. Il limbo tra sogni e realtà è il territorio naturale di chi vive una relazione nascosta: non si è né dentro né fuori, né insieme né separati, né felici né liberi di essere infelici. Ogni ferita diventa prova di desiderio — dimostra quanto ti vorrei — in un rovesciamento dove il dolore non è il contrario dell’amore ma la sua manifestazione più autentica.

Il giudizio di chi non capisce e la protesta contro il provare a metà introducono una dimensione sociale che arricchisce il quadro: l’amore clandestino non è solo un segreto tra due persone ma una sfida al mondo che pretende sentimenti ordinati, classificabili, approvabili. Provare a metà non è un’opzione quando il sentimento basta da solo a parlare di sé.

Il mare di lacrime e il paradiso di colpe

La promessa di piangere un mare — con la ripetizione che trasforma il verso in risacca verbale — è insieme minaccia e profezia. Le lacrime di sale richiamano il mare come elemento ricorrente del brano, creando un circuito dove il pianto alimenta l’oceano e l’oceano alimenta la metafora dell’amore infinito e salato.

Il bridge introduce la domanda più vertiginosa del testo: cosa c’è tra la vita e la morte se non un paradiso di colpe? È un verso che ribalta la teologia tradizionale — il paradiso non è il premio per i virtuosi ma il luogo dove le colpe trovano rifugio — e lo fa con una naturalezza che tradisce la familiarità napoletana con il sacro e il profano. Le anime in preda alla sorte completano il quadro con un’immagine che è insieme pagana e cristiana, fatalista e appassionata.

La cura alla malinconia: il ritorno come destino

La chiusura del brano prima dell’ultimo ritornello è una dichiarazione di dipendenza emotiva che non cerca giustificazioni. L’altra persona come cura alla malinconia è un’immagine farmacologica che descrive l’amore come medicina — necessaria, quotidiana, senza la quale la malattia ritorna. La ripetizione del verso — “che mi prende e mi porta da te” — tre volte, come un incantesimo o una preghiera, è il movimento irresistibile del ritorno: non importa quante volte ci si allontani, la direzione finale è sempre la stessa.

Due voci, una città, un amore sotterraneo

“Poesie clandestine” è un brano che funziona su più livelli grazie anche alla complementarità delle due voci. LDA e Aka 7even, entrambi di formazione napoletana e con percorsi che li hanno portati da Amici all’Ariston, portano a Sanremo 2026 una canzone che non rinnega le proprie radici pop ma le innesta su un tronco melodico antico, quello della canzone napoletana che sa parlare d’amore come nessun’altra tradizione musicale al mondo.

La scelta di Napoli sotterranea come metafora centrale è la trovata che eleva il brano dal pop sentimentale alla poesia urbana: una città sotto la città, un amore sotto l’amore, una verità sotto la superficie. Le poesie restano clandestine non perché siano proibite, ma perché la loro bellezza sta esattamente nel segreto, in quel mondo parallelo dove due persone si trovano al riparo dagli sguardi, dal giudizio, dal rumore di una metropoli che è solitaria solo per chi la attraversa senza conoscerne i sotterranei.